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国画基本技法的图文教程:中国绘画的用笔跟中国书法的用笔基本相同

作者:BAIKUI 来源:凯发娱乐网 发布时间:2016年11月17日 点击数:

凯发娱乐 www.ads365.net 一、用笔

书画同源。中国绘画的用笔跟中国书法的用笔基本相同,因为中国绘画的主要造型手段是采用书法式的线条。甚至有人说,把中国书法学到家,中国绘画就学到了一半。用笔的方法又包括身法、指法、腕法。

凯发娱乐网 书画同源。中国绘画的用笔跟中国书法的用笔基本相同

身法

是指在书写或绘画时身体的各个部位要采取正确的姿势,姿势又分为“坐姿”与“立姿”。“坐姿”就是坐着书写或绘画,身要正,肩要平,背要直,两腿分开,双脚平放在地上,左手按纸,右手执笔,两眼注视下笔处,眼与笔尖保持约30cm的距离,全身要舒展,自然放松,精神集中。一般写小字和画工笔画都是坐着写或画。如果写大字或作写意画就要采取“立姿”,其要领和坐姿相似,要特别注意勿使驼背,防正僵直。

指法

是执笔的关键。(如图一)中指与食指勾住笔杆的外侧;大拇指的指肚抵住笔杆,与中指、食指形成合力握住笔杆;然后,依靠无名指由内向外抵住笔杆,加上小指在无名指的下面辅助推动,配合上面的中指、食指和大拇指,使笔头能做360°的自由挥动。

“指法”的要领:指实而掌虚,各手指按不同的分工落在实处,灵活运用,要点在“灵”字上。从生理上讲,肌肉要放松,掌心要空虚,似乎能放入一个鸡蛋。手在笔的位置应根据字的大小有所不同,一般在笔头的3-4cm的上面。运笔时,笔杆要保持与纸面垂直。初学者要注意,一开始就要掌握正确的姿势与方法,以期久而久之养成良好的习惯,以免日后积习难改。当然作为绘画,特别是作写意画和大画的时候,其执笔的方法就有所变化,可参考以后的示范作画图。

腕法

上述“指法”固然重要,同时也要注意腕力和肘力的相互配合,这是三个有机组成部分,缺一不可。相对说,腕力尤为重要,熟悉乒乓球的人都知道,球拍的握法类似指法,但击球技巧中,腕力、肘力甚至臂力都需有机结合,他们也十分重视腕力。

中国书画在运用腕力上有以下四种不同的方法:

着腕,是把手腕部附着在桌上,偏重于用指力,多用于写小楷和工笔画勾线。

枕腕,是借助左手或其它物件使腕部提高,便于写稍大的字。目的是既稳健,笔的运动范围也更大一些。

提腕,是指右肘附着在桌上,借助腕部力臂的加长,使活动范围更大,指力与腕力相互配合,灵活运用,便于写更大的字或画大画。

悬腕,也称为“悬肘”,就是腕与肘部都悬空,其活动范围更大,甚至还可以借助全身的力量。“悬腕”在坐姿和站姿中均可应用。练得硬功夫,大字不必说,小字同样可“悬腕”。当然,这种方法的难度相对来说要大得多。

用笔,这里是指如何行笔、运笔,也叫“笔法”。前面说过,中国绘画和汉字的书写是一脉相承的,元代赵孟頫写诗一首说:

石如飞白木如籀,

写竹还应八法通;

若也有人能会此,

须知书画本来同。

我们可以把用笔的方法归纳为运用毛笔使点、线、面形成。当然,点是最基本的,也是变化最多的。点的延长成线,线的运动成面,中国书画在这几个方面都有很深的研究和严格的要求,学习中国绘画,首先是要从这方面开始,加深理解,反复练习,纯熟运用。

起笔和收笔

同是一条线,就是一个点,由于起笔和收笔的方法不同,所产生的效果也不同。所表达的情趣也不同。至于行笔,对于线条是否有力度,是否有弹性,是否流畅,都起着至关重要的作用,而且在行笔中的停顿、转折,无论是对造型,对表现物象的质感,对塑造物象的神志,对表达作者本人的情趣都起着十分关键的作用。因此,要重视点线面形成中的三个阶段,即起笔、行笔、收笔。

提笔和按笔

中国书画的用笔十分考究,就“提”、“按”的动作而言,因为技法的不同就分得很细,但对初学者来说,首先要掌握用笔的“提”和“按”。当你把含墨汁的笔向下“按”时,由于笔毫铺开,就会形成较粗的黑色轨迹;反之,当把笔向上“提”时,由于笔毫收敛,便形成较细的墨线。于是“提”和“按”的空间运动,配合行笔中的时间运动(速度快或慢)就会依照不同需要绘出不同形态的点、线、面。

中锋和侧锋

中锋是指笔尖始终都在墨迹中运行,而且笔杆与纸面保持垂直的角度,有的书法理论强调“笔笔中锋”,因为中锋绘出的线条丰满圆润,在中国绘画中的“勾描”、“点染”笔法中常用;“侧锋”是与“中锋”相对应的笔法,笔尖偏向笔画、线条的一侧,相应地笔杆与纸面成倾斜角度,所绘成的点、线、面的一边或两边毛涩,不光滑,用以取得另一种娱乐效果,在中国书法中的行书、草书用得较多,在中国绘画的“皴擦”笔法中常用。

藏锋与露锋

“藏锋”笔法是指在每个笔画起笔时,不使笔锋露出来。以书法的一个横画为例:要写一个从左至右的横画,起笔时笔锋先向左,然后回转,再向右行笔,这种逆向起笔的方法也叫 “逆锋起笔”。当行笔至收笔位置时,停顿,向反方向回转、提起、收笔,这个收笔的方法也叫“回锋收笔”。再举一个书法的竖画为例:起笔时从上至下顺势向右下落笔,稍按再向下行笔,至收笔位置,渐提,收笔。这种笔法叫露锋起笔,露锋收笔。藏锋与露锋笔法在中国绘画中应用较多。

转锋与折锋

“转锋”就是在行笔到圆转的地方,不停顿,顺势回转,形成弧形的笔画和线条,例如书法中的心钩和直抛钩。“折锋”是指带有方折的笔画,这种笔法比单纯的“直画”,“横画”要难些,要领是:起笔后行笔至转角处,不作“回锋”收笔,继续作“藏锋”起笔,再顺势向下,收笔;或起笔后行至转角处,略顿,顺势回锋行笔向下,收笔。这两种折角造型是不同的,在绘画中类似的转角造型很多,应根据情况灵活掌握。

在中国绘画笔法中大体上分为“勾描”、“皴擦”、“点染”三大类,实际上是千变万化,这种分类只是要说明最基本的笔法。

勾描

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“勾”和“描”都强调“中锋”用笔(如图二)。因为这种笔法多用于对描绘对

象的造型。很早就有理论提出“骨法”用笔,这个“骨”字既有人体骨骼的意念(与血肉之躯相对应而言),同时又有坚实、有力、支撑的的内涵。在古代的绘画经典理论中还提出了“气韵生动”的标准,作为评定中国绘画品位高低的首位要求。普遍认为,这是针对绘画作品中笔法优劣的考评。中国人按自己的哲学观念,常常运用“气”这个抽象的概念。我们解读这个“气”字,包含着用笔的流动性,要求用笔流畅,犹如气流一般;而“韵”,则进一步要求用诗的韵律来规范用笔时的时空运动,使其运动中有节奏性的、诗一般的美妙韵律。因此,我们不能只简单的提出用笔“有力”、“有弹性”的要求,重要的是赋予笔墨以生命感,渗透作者的主观情感和趣味。

有的专家评论某人的绘画时说:你用笔的线条还“嫩”,言下之意是还不够“老练”,不够成熟。因此,作为一名中国绘画的初学者,要在不断的练习中,去掌握和体验线描的内在要求,不仅是外形的美,重要的是内在的美。

皴擦

“皴”从中国字的字义讲,是指皮肤受冻后的裂纹,这里是指古人用来表述中国绘画中的一种用笔方法。勾描笔法可以造型,却不能完成所描绘对象的质感和立体感。皴的笔法是用侧锋淡墨或浓墨画出纹理,用以表现山石阴阳面(光暗面)或树干的立体感及各种纹理,丰富被描画对象的视觉感受,尤其在山水画中用得很多,而且历代名家还创作造出了不同的名目和方法,是中国绘画笔法的重要组成。

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“擦”的笔法类似“皴”,都是侧锋用笔,但有细微差别,相对于“皴”则细碎而模糊,不显露用笔痕迹(如图三)。我们把

它归入同一类,并希望在实践中细心体察,加深理解。

点染

从笔法上讲“点”和“染”大都是中锋用笔,但在用墨上有明显的差别,而且“点”的面积小,“染”则成片,相对大得多。在写意画中常用点染笔法造型。如“勾花点叶”的“叶”没骨梅花的花和蕊,山水画中的远山等(如图四)。

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和“以线造型”的“线”相比,“点染”和“皴擦”都是骨法用笔之外的,相辅相成的,使之有血有肉的,不可分割的整体中的一部分。

中国画最基本的技法除了用笔外,还有用墨、用色、用水。

一、用墨

在传统的中国画理论中,把墨视同色。而西方绘画则是忠实地反映出自然色,而且从科学上加以证明,把日光分解成七彩,确定红、黄、蓝为三种基色,从而演变成万紫千红,彩色电视的显像管就是以三基色组合而成,彩色摄影的胶片也是这一原理。

中国绘画从古至今,强调对比鲜明,突出主题,忽略细节,提炼概括,因此水墨画一直占主导地位。尽管近百年来中国绘画受西方绘画的影响,吸收其营养,例如岭南派的作品,色彩鲜明、亮丽,但基调仍是水墨。所以,“用墨”在中国绘画中有着举足轻重的地位。

墨色

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先要理解中国的所谓“墨色”。其主要理论是“墨分六彩”,即“黑、白、浓、淡、干、湿”。它把墨的浓淡,即墨的“色阶”与同一“色阶”的墨色“干湿”构成完全不同的两个概念。也就有了“墨分五色”的说法,即“焦、浓、重、淡、清”五个不同的色阶;而不同色阶中的“墨色”,又由于干湿不同所形成的娱乐表现效果也不同(如图一),给中国水墨画创造了极为广阔的创作天地。

墨法

是指如何用墨的方法,通常也归纳为“五法”。

(一)破墨法。是指打破或改变原有墨色的办法。用淡墨或水的相互渗透、掩映办法去改变原有的浓墨色,相反,用浓墨去改变原有的淡墨色等。

(二)积墨法。顾名思义,是在原有墨色的基础上一层层地追加墨色,以求达到浑厚、滋润的效果。

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(三)蘸墨法。它在写意画中常常用到,它是中国毛笔及宣纸的特有性能中特有的表现技法。具体方法是先使用笔头饱蘸淡墨,再在笔尖上蘸以浓墨速画,就会形成由浅而深,由淡而浓的特殊墨色效果(如图二)。

(四)泼墨法。这个泼字不是真的把墨泼在纸上,而是用大些的笔,饱蘸墨汁,大笔挥洒,有“泼”的意味,其效果酣畅淋漓,韵味无穷,常用于表现烟雨云山,当然也可以泼色,去创造另一种效果。

(五)干墨法。也叫焦墨法,就是用焦墨来作画(焦墨指最浓的墨色)(如图三)。

水墨画是中国绘画的基础,墨色、墨法是其灵魂,在中国绘画中具有举足轻重的地位。这是中国人利用特有的工具和材料所进行的伟大发明和创造。它不是漆黑一团,而是不同的节奏,不同的反差所创造的诗一般的美的韵律。

二、用色

中国画把墨看成色,而且是构成中国画的主要特色,但同时中国画也有用不同色彩组成的画,称之为“着色”和“设色”中国画,现在也叫“彩墨”画。

请注意“设色”这个名称,其概念具有作者去设计颜色的意味。当代著名中国画大师、教育家潘天寿说过:“天地间自然之色,为画家用色之师也,自然之色,非心源之色” 。这“心源”二字,和中国绘画经典理论所说的“外师造化,中得心源”的“心源”是完全一致的,更是中国绘画用色的根本。也就是说,不像西方绘画那样去再现自然之色,而是强调作者对这幅画的创作意图、意境、环境、气氛,赋予作者内在的思想情感,去设计色,去用色。

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最后还得说明一点,那就是中国绘画的用水。传统的中国画又叫“水墨”画,可想而知水的重要性。墨色的枯湿浓淡、颜色的枯湿浓淡都与用水有关,水少则浓,水多则淡,水少则枯,水多则湿。

有时可以先蘸墨,再蘸水,画在纸上则先淡后浓,有时也可以先蘸水再蘸墨,画在纸上则是先浓后淡,不同的方法会有不同的墨色效果。各种颜料也可以自由调配。这都是在实践过程中根据需要灵活运用的方式方法。

由于墨色、水的不同配合加上墨笔宣纸的特殊表现力,可以展现出千变万化的笔情墨趣色韵来。

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